Sandra Bullock y el fin de los tiempos

Otro aporte al catálogo en incremento de películas originales de Netflix de corte apocalíptico, la recién colgada Bird Box sitúa su relato en las circunstancias caóticas suscitadas en el planeta a partir de la irrupción de una epidemia de suicidios de origen presuntamente extraterrestre, la cual es transmitida en exteriores y a través del sentido de la visión. Ergo, si no miras hacia la calle y estás bajo cuatro paredes, con las ventanas selladas, no morirás. Tal línea de mensaje emparenta al filme con la doctrina ideológica del relato de terror adolescente, donde anatematizan el desplazamiento a sitios lejanos del hogar, y el sexo, en tanto instancia conductora hacia la muerte.

A veinte años de «Out of Sight», un Soderbergh coleccionable

La literatura de Elmore Leonard (1925-2013) fue preferida de la pantalla estadounidense de la última década del pasado siglo (también después). Entre las adaptaciones fílmicas de sus libros durante aquel decenio figuraron Jackie Brown, del a sí incondicional Quentin Tarantino. Dos años antes, en 1995, basándose en un material del escritor, el realizador Barry Sonnenfeld estrenó Get Shorty, cuyo éxito comercial elevó las tasas de cotización de sus derechos de autor.

A veinte años de «El show de Truman» y su profecía del reinado de estupidez e invasión íntima de la telerrealidad

Una película como El show de Truman (The Truman Show, 1998) representaría, en la segunda mitad del siglo XX fílmico estadounidense, la más sui géneris metaforización de la esencia manipuladora y desnaturalizante del negocio de la televisión en las sociedades avanzadas de consumo.

A veinte años de «Rounders» y el olvidado cine de John Dahl

Cuanto le confiere aliento humano, dimensión ontológica a una película como Rounders (John Dahl, 1998) es su reflexión en torno al signo ineluctable del destino del jugador, ser cuya única “redención” podrá encontrarse junto a la mesa sobre la cual baraje suerte, dinero y -dicen todos ellos- talento.

Ave, Flynt

La visión de Milos Forman de la sociedad norteamericana nunca fue contemplativa, pero tampoco realmente pugnante. Con Hair (1979), el director de origen checo llevó a imágenes el desconsuelo juvenil de la era Viet Nam y el movimiento hippie; si bien, de forma más o menos velada a la larga propinaba un espaldarazo a la “libertad” de las drogas y a otros fenómenos del espectro social de los Estados Unidos, su patria adoptiva.

A veinte años de «La delgada línea roja », Malick contra el horror de la guerra

Mera poesía de la vida en el libro de la guerra. La antítesis presupuesta por el anterior enunciado envuelve la conceptualización filosófica de uno de los filmes bélicos menos belicistas de la historia del cine y de, decididamente, la película norteamericana de guerra más europea en su tempo, perspectiva dramática y modelo narrativo.

Candelaria

A través de Reina y Rey, estrenada en 1994 al ecuador del período especial en la mayor de las Antillas, el desaparecido cineasta cubano Julio García Espinosa concretaba un manifiesto fílmico de extraordinario valor artístico, ontológico y social alrededor del efecto de una época histórica sobre el segmento vital postrero de un ser humano; bien visto el caso quizá más requerido este de humanidades afectivas que hasta de las mismas fibras nutricias no correspondidas por un tiempo aciago en tal materia, u otras, para quienes lo vivimos en este país.

Hunt for the Wilderpeople, de Nueva Zelandia: Una comedia en estado de gracia

Asegura el humorista británico Ricky Gervais que “la comedia es donde la mente va a hacerse cosquillas a sí misma”. La mía, que ya a estas alturas de tanta comedia exangüe y suicidada por la convención, no entiende mucho de cosquillas, sin embargo se exultó y revolcó de risa al  visionar un exponente del género como la neozelandesa Hunt for the Wilderpeople, a la cual le debía este post desde que la vi hace dos años, pues en ese tiempo no he vuelto a apreciar ningún otro título del -para mí antaño amado- territorio genérico provisto de semejante eficacia cómica.

Rey ilegítimo: Legítima aventura

Como sabemos, atravesamos una era de precuelas, secuelas y postsecuelas mantenedoras en permanente Síndrome de Estocolmo al receptor mundial, gustoso cautivo condicionado por la obnubilante promoción/distribución de este tipo de productos. Dependientes tales piezas de la fanfarria atonal, la fabricación en serie catalista y la grandilocuencia mastodóntica, cuyas  premisas responden al imperio dentro de la industria del high concept, el cálculo frío, la superproducción hipertrofiada, la puesta en formol eterno de cualquier resorte de rentabilidad.

Arde Madrid: Ava Gardner juergueando y Franco arrasando

Las cartas de Elena Francis, una educación sentimental bajo el franquismo (Editorial Cátedra, 2018) es un libro recién publicado en España que recuerda el sometimiento físico y espiritual a era que inducida u obligada la mujer ibérica en el programa radial El consultorio de Elena Francis, emitido desde 1947 y a lo largo de todo el período franquista, y cuya primera libretista fue Ángela Castells, perteneciente a la triste, humillante e involutiva Sección Femenina de Falange y al por la misma cuerda Patronato de Protección de la mujer.

Acción plus en la indonesia «La noche nos persigue»

Paroxismo tremolínico de sangre, furia, machetazos, vísceras y demoliciones de todo género, La noche nos persigue (producción de Indonesia estrenada en Netflix este 19 de octubre bajo el título original de The Night Come for Us) no deberá tener rival al concluir 2018 en colgar el estandarte de filme de acción más brutal del calendario, de no aparecer algo superior en noviembre y diciembre, cosa muy de dudar para el autor de estas líneas.

«Desencanto» no desencanta, pero tampoco encanta

Cabía esperar una propuesta mucho más ambiciosa del creador de Los Simpsons, pero Desencanto (Disenchantment), su serie de Netflix, se queda por debajo de las expectativas de quienes elucubrábamos un auspicioso retorno de Matt Groening, justo a la altura de su nombre.

Verónica, otro exponente del cine de terror de Paco Plaza

El realizador valenciano Paco Plaza, coequipero junto a Jaume Balagueró y Luiso Berdejo, de REC (2007-2014), la saga más rentable e internacional del cine de terror español y que puso a la productora catalana Filmax en el candelero mundial, dirige en solitario Verónica, presentada primeramente en varios festivales clase A en 2017 y con posterioridad propuesta a los públicos de la Península y del resto del mundo.  Ha sido estrenada en Cuba en fecha reciente.

Niebla en Agosto: ¡Maten al discapacitado!

Al minuto 95 de Niebla en Agosto el relato introduce una situación de sesgo carnavalesco, en el sentido bajtiniano del término, cuando, comandados por el niño Ernst Lossa, los internos de la clínica nazi de exterminio progresivo para discapacitados y enfermos hereditarios alemanes donde se focaliza el relato comienzan una peculiar huelga de hambre en la cual lanzan platos al aire y pescado al techo. Constituye, también, una amarga parábola visual de cuanto nunca hizo el pueblo germano en los tiempos de Hitler: rebelarse contra su verdugo, cuyo gobierno no solo destruía naciones extranjeras e incineraba a judíos, sino que además arremetía contra los propios nacionales aquejados de alguna tara o defecto físico.

China, el mayor mercado fílmico del mundo

Aunque ha tenido un año espléndido en ganancias, con el más auspicioso verano en materia de ingresos a lo largo de dos décadas exactas, el norteamericano no constituye en estos momentos el mayor mercado cinematográfico del planeta, como lo fue siempre; sobre todo después de la II Guerra Mundial.

Los gigantes no existen, de Guatemala: un niño y un país robados

Años de golpe de estado contra el dirigente progresista Jacobo Arbenz y cruentas dictaduras militares posteriores, organizados o apoyados en uno y otro caso por los Estados Unidos -actor protagónico en los 36 años de guerras internas, con saldo de 200 mil muertos y 45 mil desaparecidos; y que además, entre otros muchos desmanes, convirtió al país en uno de los experimentos de prueba con sus cobayas humanas-, hicieron de la triste Guatemala uno de los sitios de mayor desangre y esquilme del continente: hoy como ayer presa de la violencia, el crimen, la inseguridad ciudadana y bajo el control económico de empresas foráneas, la mayoría norteamericanas, y escasas familias de la gran burguesía local.

Bel Canto: mal cine

Bel Canto (Paul Weitz, 2018), uno de los despropósitos mayúsculos del cine norteamericano más reciente, articula su relato a partir de la situación de toma de rehenes que se produce en una innombrada república latinoamericana (la ambientación en tales espacios geográficos casi nunca queda bien en las producciones fílmicas yanquis; sea por inexactitud, politización, folclorismo en la mirada o condescendencia), luego de que un grupo de liberación asalta la casa del vicepresidente de la nación, donde actúa una renombrada soprano estadounidense, en concierto privado al cual asisten importantes personalidades políticas del país y del exterior.

Efraín: drama etíope cargado de sensibilidad

No obstante los miles de relatos que tiene para narrar el cine de África, continente lleno de magia e historia, el pasado de colonialismo feroz (verificable igual en el presente, mediante tan onerosas como visible vías, consecuencias de esa herencia) extendido sobre su extensa geografía impide que la mayor parte de sus cinematografías experimente un despegue que, en arte e industria como este, requiere respaldo económico, incluso en la era digital.

La tribu: una gozada con Carmen Machi y Paco León

Estreno nacional de la semana en Cuba, La tribu (Fernando Colomo, 2018) es una divertidísima comedia española al servicio del que fuera el incombustible pilar de hilaridad de la teleserie Aída: Carmen Machi y Paco León.

A veinte años de “La celebración” (o, cuando Dogma 95 aún lo era)

En su fundacional La celebración (Festen, 1998), Thomas Vinterberg, en pleno proceso de alumbramiento del movimiento cinematográfico Dogma 95, se adhiere como el ostión a la roca al decálogo de esta corriente artística danesa, irrumpida a finales de la última década del siglo XX en tanto contrapropuesta ideoestética a la narrativa hollywoodense.

Bergman

Nacido el 14 de julio de 1918 en Upsala, Suecia, cumplimos este año el centenario del natalicio de Ingmar Bergman, uno de los más significativos realizadores de la historia del cine.

La batalla de los sexos: vindicación amable, denuncia tenue

Estrenada en las salas cubanas, La batalla de los sexos (Battle of the Sexes, 2017), aborda primeramente el contexto previo del acontecimiento y luego encarrila el nervio central de su planteo hacia el  celebérrimo duelo deportivo y supra-deportivo establecido, durante la década de los setenta del pasado siglo en los Estados Unidos, entre los tenistas Bobby Riggs y Billy Jean King.

Miedo y asco en Las Vegas: evasión contra putrefacción

A propósito de la presentación especial durante el reciente Festival Internacional de Cine de Gibara del filme Miedo y asco en las Vegas en ocasión de los veinte años de su estreno, y del intercambio de su protagonista, Benicio del Toro, con los asistentes al evento, les proponemos la siguiente reseña crítica sobre esta tan peculiar como hoy casi olvidada pieza cinematográfica.

El sueco Tomas Alfredson filma monótona adaptación de una novela negra nórdica del noruego Nesbo

En Déjame entrar (2008), su más sobresaliente obra fílmica hasta el momento, el realizador sueco Tomas Alfredson compuso pura poesía vampírica en una historia de sangre, dolor, abuso, amor, refugio e integración de las alteridades, contextualizada en el frío y la nieve. Tanto la dramaturgia como la puesta en escena se confabulaban en dicha maravillosa película -a la cual el autor de este comentario dedicó un artículo en la revista Cine Cubano-, para gestionar un alcance artístico inigualado en el subgénero, acaso comparable en rotundez a la muy subvalorada e imprescindible Solo los amantes sobreviven (2013), del estadounidense Jim Jarmusch.

Un minuto de gloria: notable filme sobre el triste paso al capitalismo en Bulgaria

Otro diagrama ocre sobre la sobrevida en los países del este de Europa tras el paso al capitalismo configura el largometraje búlgaro Un minuto de gloria, producción fílmica estrenada en Cuba, la cual ha sido objeto de encomios de la crítica a nivel internacional, merecedora de premios máximos en los festivales de Gijón y Edimburgo, y que brinda la posibilidad al espectador nacional de contactar con una pantalla hoy casi ignota, circulada de forma harto limitada tanto en las carteleras universales como en las propias.

Mizoguchi, el alma bajo los tejidos

Kenji Mizoguchi, una de las figuras de mayor trascendencia de la historia de la pantalla japonesa, fue objeto de un auspicioso ciclo en la Cinemateca de Cuba, el primero que se le dedica en nuestro país y organizado en ocasión del aniversario 120 del realizador nacido en 1898.

American Crime Story: Estados Unidos contado por sus crímenes

La televisión cubana proyectó la teleserie de FX, American Crime Story (no confundir con American Crime, serie de la cadena abierta ABC igualmente comentada en nuestro blog, pero que ninguna relación guarda con esta salvo en los títulos parecidos), uno de los materiales del género de más interés elaborado por las productoras televisivas estadounidenses en fecha reciente.

Sin amor: puro Zvyagintsev

No representa la impugnación al sistema socio-político de su país el elemento preeminente en la narrativa cinematográfica de Andréi Zvyagintsev -cual blande hasta el hastío, en dos de cada tres artículos, parte de una crítica occidental alineada con los poderes hegemónicos en la guerra cultural anti rusa-, sino el análisis de los intersticios de la institución familiar, sujeto argumental dilecto ya prefigurado por el talentoso realizador eslavo en El regreso (2003), León de Oro en Venecia, y que refrendase en El destierro (2007), obra menos conocida por el público mayoritario pero de significación y antecedente más directo en cuanto a líneas de consanguinidad e irrigación temáticas de Sin amor (2017), Premio del Jurado en Cannes de estreno en nuestro país este mes gracia a la gestión de la Cinemateca de Cuba*.

Ernesto: divorcio entre intención y resultado artístico

El espectador que no posea ninguna información previa respecto a la historia relatada en la película, se devanará infructuosamente los sesos hasta el minuto 100 de un largometraje de 125 como Ernesto, coproducción japonesa-cubana que el año anterior el realizador nipón Junji Sakamoto finalizara en homenaje al aniversario 50 de la caída del Che Guevara y de sus compañeros de la guerrilla en Bolivia, estrenada el pasado octubre en Japón y ahora en nuestro país, en ocasión de los noventa años del natalicio del Che. Las dudas le sofocarán porque, pese a ser este último el cometido del filme y aparecer el Guerrillero Heroico en numerosas escenas, no será ese Ernesto del Granma y la Sierra el protagonista del relato ni al que se refiera el título, sino al Ernesto que el propio Guerrillero Heroico le ubicó como apelativo para la lucha insurgente en Sudamérica al estudiante de Medicina de origen boliviano-nipón Freddy Maymura Hurtado, personaje central defendido por el actor japonés Joe Odagiri y único con peso dentro de una trama coral mayoritariamente asumida por actores cubanos. Cuestión de identidad y denominación esta no revelada hasta entonces, para las postrimerías de un largometraje que solo en la zona epilogar referirá el pasaje histórico de la guerrilla.

El amor en los tiempos de los perfiles digitales

Pierre Richard, uno de los cómicos galos  más recordados en Cuba durante las décadas de los ´70 del pasado siglo gracias a títulos como El rubio alto del zapato negro (1973) y Se me subió la mostaza (1974), con 83 años de edad ahora, retorna al género que le regaló más crédito, mediante En lugar del señor Stein (Stéphane Robelin, 2017), la cual él mismo presentó recientemente en el Festival de Cine Francés efectuado en nuestro país.

Jung Byung-gil confiere ludo, nervio e imago al action movie

Luego de la norteamericana y la francesa, es la industria cinematográfica de Corea del Sur la tercera más completa del mundo. Al, casi en masa, deplorable cine hindú no lo tiene en cuenta este comentario, porque de las 850 películas anuales que produce, el 95 por ciento son destinadas a un consumo inexcusablemente interno, en virtud de su folclorismo exacerbado y la letanía de su inalterable dispositivo narrativo-formal amarrado a historias sosas, melodrama, baile y canciones.

Sobrevalorada comedia francesa

En La fiesta de la vida (2017) estamos frente a un taquillero largometraje, firmado al alimón por Olivier Nakache y Éric Toledano, uno de los duetos creativos -sin llegar nunca a la categoría de autorales- más populares de la pantalla francesa desde que en 2011 rubricasen ese suceso comercial endógeno y mundial titulado Intocable.

Cine-postal

En El viñedo que nos une (2017), Cédric Klapisch no alberga el mínimo interés en subvertir nada de lo establecido. El firmante de la elogiada trilogía compuesta por Piso compartido (2002), Las muñecas rusas (2005) y Lo mejor de nuestras vidas (2013) compone aquí una película sin electricidad interior, desapasionada y tendente a la monotonía.

Ozon: psiquis, sexo e identidades dobles

Constituye Francois Ozon, cuya película El amante doble fue estrenada en Cuba, uno de los directores más eclécticos e interesantes del panorama cinematográfico galo del siglo XXI.

Iconoclasta ejercicio fílmico

No es retrógrado, sino consecuente con un arte que cuenta en las ensoñaciones humanas prefiguradas a través de la imagen una de sus bazas, que todavía existan cineastas interesados en pulsar las cuerdas fílmicas donde lo surrealista, lo onírico y la metáfora se convoquen en el afán de escrutar los entresijos de la mente a partir de agudas representaciones simbólicas de la naturaleza de nuestra especie.

Alexandra: impugnación de Sokurov a la guerra

“Aquí todo está destruido, no solo las casas. Los buenos saludan a los malos, los santos creen al diablo…”.  Así dice Malika, la anciana chechena vendedora del mercado local, al conversar con Alexandra, su coetánea rusa y personaje central del filme homónimo de Alexander Sokurov de 2007.

Soderbergh pisa firme, también, en la televisión

Hastiado quien escribe de la mayor parte de las innumerables series de abogados, policías y médicos -las cuales en la práctica circunvalan sobre un mismo ritornello argumental y similares esquemas compositivos-, le impresionó sobremanera una perteneciente a la última parcela temática, convertida en abono nuevo para fertilizar un subgénero serial fagocitado hasta la náusea.

Recuerdos del Este

Los cinéfilos de mi generación, la de los ´70, pasamos la mitad de nuestra infancia y adolescencia viendo películas esteuropeas en las salas de cine; no tanto en cada uno de los casos por placer, sino porque la programación mensual incorporaba numerosas producciones de dichas cinematografías. En esa porción habitual había de todo, en términos de calidad. Películas menores o absurdas, que tentaban la imaginación a especular porqué fueron rodadas. Pero había también bastante buen cine. E incluso gran cine.

Dragones, épica y rubias empoderadas

Los siete capítulos de la, en fecha reciente, concluida séptima temporada de Juego de tronos (la más breve de todas y penúltima de la serie de HBO que finalizará con la octava en 2019) fueron cine de aventuras de la mejor traza, fantasía épico/heroica de la más sobresaliente factura, los cuales -vistos en conjunto- alcanzaron altura como espectáculo de entretenimiento.

Von Trier en tierra de perros

El proceso de peterpanización atravesado por buena parte de la pantalla actual impide la proliferación de películas como Dogville.  A Lars von Trier, el genio, zorro, profeta, borracho, fascista, megalómano o como quiera llamársele, que inventó el Dogma ´95, no le va eso sin embargo. Rubricaría con esta pieza -episodio de lo que alguna vez elucubró cual su Trilogía Norteamericana- un estudio humano de sustento trágico con base helénica, shakesperiana, victorhuguiana, de los que ya a casi nadie le interesa hacer.

Estación Central de Brasil: a veinte años de un clásico del cine latinoamericano

Constituye, a no dudarlo, Estación Central de Brasil el punto culminante de la cinematografía brasilera durante la última década del pasado siglo.

Action film que traiciona al original

La codificación ínsita del género de acción, su dependencia al objetivo comercial y su consiguiente proclividad a la iteración de coordenadas temáticas no propende a la sumatoria habitual de títulos factibles de ponderar; menos son los dignos de contemplar en las antologías.

Zona hostil: película española en la línea del peor cine bélico estadounidense

Al cierre de Zona hostil (Adolfo Martínez Pérez, 2017) cuelgan el consabido cartelito -e innecesario aquí, dado lo obvio del respaldo- de agradecimiento al Ejército del Reino de España y al ministerio de Defensa por su colaboración en esta película bélica a la gloria de los soldaditos del viejo imperio al apoyo del nuevo y hoy único imperio real en su invasión genocida a Afganistán.

The Florida Project: el “sueño americano” es amarga pesadilla para los humildes

Inteligente cruza docufictiva de la parcela observacional del “indie” con las corrientes históricas del neorrealismo italiano, el Luis Buñuel de su etapa mexicana de Los olvidados -nexo este último observado de forma atinada por Pedro Almodóvar semanas atrás-, Hart Hartley, Larry Clark u otros pocos creadores estadounidenses, The Florida Project representa una consecución coherente de ese cine que a través de la historia ha mirado al rostro de la miseria, y de los desposeídos, sin enarcar la ceja o bajar la faz ante la pena; sino, por el contrario, apostando por un insobornable sentido de verista valentía para verificarla, constatarla y expresarla en imágenes/personajes.

Las hijas de Abril

Las voces personales suelen reconocerse en el cine desde la primera obra. Aun cuando la película no sea redonda, posea las falencias dramatúrgicas de muchas operas primas o rechine en cualquier apartado técnico, siempre se advertirá un destello (o luz, según el caso) de la imaginación feraz de ese autor dispuesto a construir un universo propio mediante el cual se identifique él y lo hagan sus espectadores, por supuesto.

Our Souls at Night: romance otoñal a la honra de Fonda y Redford

Juntos se les vio pasar por el jardín (tomémosle el verso al cantor español) del Cine hace la friolera de 52 años, vez primera, en La jauría humana, para el inolvidable Arthur Penn.

The Open House: Netflix arranca mal 2018

Dentro de un catálogo de producciones originales fílmicas superior a los cincuenta títulos, esto es uno por cada semana del año 2018, entre las primeras propuestas del actual calendario de la plataforma de streaming Netflix figura la recién vista The Open House, puesta a consideración a seguidas de The Polka King.

Neo-western en el Chaco

Figura referencial del alguna vez llamado “Nuevo Cine Independiente Argentino”, Israel Adrián Caetano horadó, luego de dicha faceta de arranque, en la tradición clásica y la reasunción moderna  de los géneros para realizar plausibles deconstrucciones tipo Un oso rojo (2002), cual suerte de advertencia primera de las bifurcaciones de un cine que ya emprendía sus pininos en el espacio más conspicuo del territorio industrial.

Abril despedazado: notable adaptación de Salles a novela de Kadaré

Un bandazo certero en los modos de obrar y pensar definen la conversión meliorativa del protagonista de la película del director brasilero Walter Salles, Abril despedazado (2001, también conocida como Detrás del Sol), quien se encuentra a sí mismo cuando renuncia a lo que quisieron que fuera.

A la liberación por el hippismo

Las relaciones paternofiliales, ítem dilecto de la creación audiovisual, dentro del cine norteamericano han observado en ese territorio temático de la familia pobre que viaja a la buena de Dios, los tiempos y la aventura, un cauce próvido para a la larga establecer ajustes de cuentas intergeneracionales de vástagos -afincados en el presente a los pendones del status quo y el stablishment - con progenitores “descarriados”, soñadores, utópicos en su pasado. Padres estos representantes, según la mirada de esos hijos subsumidos por el sistema que antagonizaban aquellos, de un orden de cosas y decálogos de valores, sino hueros o fútiles, cuando menos naives o hasta pueriles, desde el prisma de los descendientes. O sea, descalificación por condescendencia, pura lástima o “superación práctica”.